Ghost in the Shell 2.0, la recensione

Una cosa per volta. Prima la parte facile, il perché Ghost in the Shell (1995) di Mamoru Oshii abbia a) spazzato via completamente te la prima volta che l'hai visto, b) cambiato per sempre la percezione degli anime in Occidente e c) cambiato il volto della fantascienza tout court. Poi quella difficile. Cioè come lo stesso Oshii, tredici anni dopo, abbia fatto di tutto per farti andare storto il suo capolavoro con questa versione 2.0 del film, altrimenti nota come "la Lucasata"[...]

Mai, mai, scorderai. Ed è venuta l'apocalisse atomica e son morti quasi tutti. No, aspe', riavvolgi: mai, mai scorderai quel pomeriggio e quella videocassetta prestata dallo stesso amico (grazie ancora, Antonello!) per merito del quale hai visto Alita, Venus Wars e un sacco di altri film anime, negli anni (90) della grande riscoperta del genere e della lettura matta ma non disperatissima di tonnellate di manga. Per te, che solo qualche anno prima avevi scoperto Gibson e il cyberpunk, è stato come fermarsi a contemplare il mare un secondo prima che un'onda alta sei metri si abbatta sulla spiaggia. Non avevi mai visto niente del genere. Sì, c'era già stato il manga, pubblicato su Kappa Magazine, ma il film di Oshii, pur raccontando la stessa storia del manga di Masamune Shirow, riusciva ad essere qualcosa di completamente diverso.

La Motoko Kusanagi su carta era la tipica eroina sexy di Shirow: occhi da cerbiatta, peratissima, occasionalmente alle prese con lesbocyberammucchiate con le amiche in un ambiente virtuale. Tosta, determinata, ma anche ironica, capace di sfanculare il direttore della Sezione 9 con un "Che palle, nonno!", prima di tirarsi un bicchierino di sake. Il Maggiore Kusanagi nel film non ride mai. Non è, essenzialmente, una donna, ma una macchina, un'intelligenza umana calata in un corpo completamente meccanico, che vive con malinconico distacco emotivo la sua condizione. Un ginoide che non sbatte MAI le palpebre, per rendere ancora più inquietante il suo sguardo artificiale, eroina d'azione con un corpo prodotto in serie, che arriva perciò facile a mettere in dubbio la propria natura.

(vi ricorda niente questa foto? No? Cliccate qui)

Se il ghost, l'anima, è tutto quello che ci rende vivi, come può Motoko esser sicura che i suoi siano veri ricordi, e non semplici innesti, come per quel povero netturbino usato come galoppino dal Burattinaio? Che dentro la propria scatola cranica di metallo viva davvero e ancora un cervello umano? Un essere sintetico esistenzialista, Roy Batty degli anni 90 che insegue la necessità di sentirsi viva come meglio può. Le cyberammucchiate sul manga, qui le immersioni, con quel riuscito accostamento metaforico tra la genesi del suo corpo nelle vasche di un laboratorio e il lento ritorno in superficie, la rinascita, rito a cui il Maggiore Kusanagi si dedica ogni volta sfidando il rischio di finire in fondo al mare, come una sirenetta di metallo, se le si scassano i meccanismi che la tengono a galla. 

Il dualismo uomo-macchina, il rapporto tra l'anima e il suo guscio contenitore, accompagna tutto il film. Si parte da un contrasto molto forte e come tale particolarmente d'effetto: nei primissimi minuti della pellicola, quando Batou, in collegamento con Motoko, si lamenta del ronzio nel suo cervello, lei risponde con una battuta che venne censurata nella prima versione in inglese dell'anime: “Sono nel periodo mestruale”. Solo pochi secondi più tardi, sui titoli di testa viene mostrato il processo di creazione del suo corpo, bambola meccanica che difficilmente avrà mai problemi di ciclo. Ti è sempre piaciuta molto anche la scena sulla barca: in uno dei due o tre momenti in cui il film si concede una pausa in stile videoclip, facendo accompagnare solo dalle musiche (da brividi il main theme, coro nippobulgaro che si sente su titoli di testa, coda e a metà film) un'infilata di scene. La barca, dicevi: mentre scivola in uno dei canali di questa sorta di Hong Kong (non troppo) del futuro che Oshii ha scelto come setting, vede dal basso una donna seduta al tavolo di un bar. Una donna identica a lei, un clone uscito dalla stessa catena di montaggio: gli inconvenienti dell'usare un corpo prodotto in serie e fondamentalmente di proprietà della Sezione per cui lavori.

Ora, non vuoi partire con un pippone pseudofilosofico non strettamente necessario, ma sul sé e la sua percezione, sul concetto di quello che siamo davvero, dentro, tolto l'aspetto analogico della carcassa che lo contiene, si potrebbero intavolare mille discorsi. Tanto più oggi, tanto più quando in Rete riversiamo una versione migliorepeggiore di noi stessi. Qual è il nostro vero io? Chi pensa le cose che stai per scrivere, o quello che hai scritto, che a volte, probabilmente, scavalca in modo inconscio i paletti del corpo analogico, esprimendo davvero sogni, desideri, paure? 

Son tutti bravi a dipingere un quadro più colorato e dai contorni più netti di sé davanti a una tastiera, ma se una persona "normale" in Rete è uno stronzo rompicoglioni, metti, è perché di suo è davvero uno stronzo rompicoglioni, e non c'è niente che, una volta attaccato a un computer o a uno smartphone, gli impedisca di comportarsi come tale. “La vita è solo un nodo che nasce nel flusso delle informazioni”, dice il Burattinaio nel film. E ancora: “Quando i computer hanno reso possibile il dislocamento delle memorie, avreste dovuto pensare attentamente al significato di tutto ciò. E alle sue implicazioni”. Avrebbero dovuto pensare di più agli stronzi rompicoglioni, quando hanno inventato Internet. Il Burattinaio, ecco. Di suo l'inafferrabile falco maltese attorno a cui ruota questa storia di macchine e macchinazioni politiche. L'hacker, l'IA ribelle, il Prometeo digitale ribellatosi ai suoi dei e padroni di carne. Mokoto si fonderà con lui/lei, diventando un'entità nuova e unica: un essere umano senza più un vero corpo che si sentirà finalmente libera, in grado di sfruttare le enormi possibilità della Rete, solo grazie all'assist di un'intelligenza artificiale.

E poi c'è Batou, che probabilmente è il legame più forte con il manga, visto che conserva i tratti comportamentali della sua versione cartacea: iperprotettivo nei confronti del Maggiore e non sempre convinto dalle sue decisioni, alla bisogna perfino un pelo ironico. Con quell'ironia un po' triste che gli è consentita nel mondo alla deriva di un film dal profilo così malinconico. D'altronde lui non è un cyborg quasi al cento per cento come Motoko, e in questo mondo la percentuale di tessuti organici che ti porti ancora dietro fa la differenza. Il novellino della Sezione 9, Togusa, è il meno cibernetico di tutti, e Motoko se lo porta in missione apposta durante la caccia al Burattinaio: da un corpo organico non ti aspetti gli errori che una macchina può commettere. Brutta storia i difetti di fabbrica.

Ghost in the Shell, si diceva all'inizio, e l'impatto da gigameteorite avuto sul pianeta. Sia come alfiere insieme ad Akira e a pochi altri di un nuovo modo di vedere agli anime, epicentro della anime-manga mania che travolge gli USA in quegli anni. Sia, più in generale, come capolavoro della fantascienza. Non è un caso se a Ghost in the Shell guarderanno di lì a poco, oltre che Spielberg e tanti altri, anche e soprattutto le Wachowski per il loro insalatone di successo noto come Matrix, saccheggiando tutta una serie di spunti visivi che la gente con l'anello al naso, gli esperti di fantascienza ventenni dell'Internet che non sanno una cippa di niente ma sono convinti di essere dei guru del genere, sono convinti li abbia inventati Matrix. Per dirne una, lo stesso "effetto Matrix", lo schermo pieno di numeri verdi mostrato durante l'intro con la creazione di Motoko. Trovata visiva di grande impatto, ma talmente sputtanata dalla Matrix-mania e talmente associata al film delle Wachowski che sarà una delle prime cose che Oshii toglierà di mezzo nel confezionare la sua versione 2.0 del film.

Parlando della qual cosa. Tutto nasce nel 2007. Oshii sta lavorando con lo studio Skywalker Sound di Ciccio Lucas agli effetti sonori di The Sky Crawlers, quando gli viene in mente di rimetter mano a Ghost in the Shell. L'idea originale è quella di dare una rinfrescata solo al comparto audio, affidandosi sempre a Skywalker Sound, ma non ti puoi avvicinare troppo a qualcosa di George Lucas senza venirne contagiato. Non sappiamo se anche Oshii abbia preso a indossare sempre e solo camicie di flanella inguardabili e a vendere la roba a Disney, ma dagli effetti sonori si è passati anche al video, con la sostituzione di alcune scene. Ora, Ghost in the Shell già in versione 1.0 faceva ampio uso della computer graphic, e finché si fosse trattato di sostituire al 3D originale un 3D migliore non ti avrebbe dato troppa noia. Vuoi cambiare le animazioni sui titoli di testa, le mappe olografiche, il corpo 3D di Motoko che ruota nella vasca, i pesci nell'acquario a inizio film, un elicottero? Fallo.

Ghost in the Shell (1995)

Ghost in the Shell 2.0 (2008)

Quello che non capisci proprio è che DIAVOLO di bisogno ci fosse di sostituire anche delle scene 2D. Quella del nuoto, il finale con la Motoko nel suo nuovo corpo che guarda dall'alto la città e, SOPRATTUTTO, la sequenza iniziale, il numero da killer con la mimetizzazione ottica:

Ghost in the Shell (1995)

Ghost in the Shell 2.0 (2008)

hanno ammazzato una delle tue scene anime preferite tipo di sempre, lì nella top 5 insieme a quella derapata di Kaneda. Con un pupazzone 3D inutile. Col risultato che non solo questi inserimenti si sposano con il charadesign bidimensionale bene quanto il parmigiano sul creme caramel, ma anche che, per quanto ne dicesse Oshii nel 2008, anziché rendere più moderne quelle scene 2D si è garantito loro un invecchiamento precoce. Il 2D non invecchia, i pupazzoni 3D sì. Una comparativa scena per scena dei cambiamenti, a ogni modo, la trovate qui. Le altre novità della versione 2.0 sono soprattutto le luci, ora molto più calde e meno verdi, per allontanare quel cacchio di effetto Matrix, grazie tante gaijin ricopioni dimmerda, e i dialoghi ri-registrati da capo al pari di effetti e colonna sonora. Nel nuovo doppiaggio giapponese, peraltro, il Burattinaio ha ora una voce femminile, il che cozza un attimo con quella idea di superamento di una roba troppo organica come il concetto di gender che c'era nell'originale. Nella versione italiana del 2.0 i doppiatori sono tutti nuovi e fa un po' impressione sentire Batou con la voce di Terminator e Optimus Prime (Alessandro Rossi).

La domanda da un milione di dollari del giorno, a questo punto, è evidentemente capire quanto il nuovo brutto (perché l'audio rimasterizzato e in 6.1 è il nuovo bello) danneggi lo status di capolavorò assoluto del film. La risposta, per quanto ti riguarda, è sorprendentemente "poco o niente". Ti dispiace un frappo per quella scena all'inizio, vero, ma son solo pochi secondi. Tutte le scene con una dimensione aggiunta, se le metti in fila, non superano probabilmente il minuto, minuto e mezzo. Il resto è il capolavorò di sempre, ma nella gioia dei 1080p da spararsi in retina. Ghost in the Shell era, è, sarà sempre uno dei pochi membri di un club super-esclusivo, quello dei film di fantascienza che hanno dato un volto alla fantascienza, sfruttando al meglio il materiale di partenza (il manga di Shirow) e mettendoci enormemente del suo. Di quei film che hanno contribuito a cucire un quadratino colorato aggiuntivo per quel variopinto patchwork che è il nostro immaginario fantascienzo, coperta di Linus policroma di ogni bravo nerd che si rispetti. Astenersi puttanate americane superderivative, perditempo e soggetti convinti che non ci possa essere nulla di filosofico in un cartoneanimatogiapponese.

A scanso di equivoci: il manga NON è incluso

Nel cofanetto raggioblù, comprato per una ventina di carte dagli amazzonici, Ghost in the Shell 2.0 era affiancato dal secondo film della serie, Ghost in the Shell 2: Innocence (2004, sempre di Mamoru Oshii), ma di quello parliamo settimana prossima. Vai a mettere un po' di cereali nel ghost, ché lo shell è affamato.